Esta crítica não pretende discutir verticalmente as boas questões de linguagem do espetáculo ¡Cerrado!, do grupo Pano (São Paulo), apresentado no festival Velha Joana. Vamos explorar aqui alguns aspectos da encenação e, sobretudo, da recepção, para propor um argumento determinado.

​O espetáculo do Pano causou uma mobilização grande da plateia em Primavera do Leste. Reagimos com grande, manifestado entusiasmo nas mais de  duas horas de representação. Isso nos diz sobre uma coisa importante e sempre buscada pelos artistas de teatro:  o espetáculo “funciona”, no capítulo do seu efeito.

Passado aquele momento e assentadas as ótimas impressões iniciais, vamos procurar agora fazer o caminho de volta e discutir algumas hipóteses quanto aos modos deste funcionamento.

​Na sequência da apresentação, ao participar ou ouvir de orelhada as conversas sobre a montagem, notamos que quase invariavelmente as pessoas referiam-se ao que foi assistido nessas bases mesmo – comentando questões de ordem técnica, de desempenho, de linguagem ou relacionadas ao efeito. Por exemplo, falávamos sobre a qualidade do elenco, a formidável energia empregada sobre as tábuas, sobre as soluções cenográficas, a estranheza convidativa da forma. Mas, salvo engano, junto às reflexões em torno da encenação havia algo  que chamava a atenção não porque estava nas falas, mas, ao contrário, justamente porque não estava: em geral ninguém se referia  aos assuntos de fundo disparados pela dramaturgia.

Não é que esta seja uma condição, uma obrigação de todos os teatros. Como sabemos há muitos experimentos que nem mesmo têm assunto, são fundamentalmente jogos com a linguagem, e está tudo certo. É que aqui estes são os termos indicados  pelo próprio espetáculo, na sua caudalosa retórica. O verbo é abundante em cena. Daí que, por contraste, surpreende a nossa perceptível afasia. O que é, afinal, que o espetáculo diz?

Surpreende também porque trata-se de uma dramaturgia francamente politizada, com interesse em debater, do seu jeito próprio – em emblemas, metáforas e em uma vigorosa vivência clownesca – questões sobre o colonialismo na América Latina. Ou seja, se os temas  existem e são – supomos – tão fundamentais quanto os modos de linguagem usados para articulá-los, por que não os alcançamos? Por que nos nossos debates eles não aparecem pautados, junto com o efeito sensível que a cena causa? Dá o que pensar.

Para ajudar nesta avaliação, chamemos a sinopse apresentada pelo grupo.

“Um continente onde os colonizadores chegam tapando um determinado abismo, o qual as montanhas originais sabiam ter que ser observado. Foi a partir desse buraco tapado pela civilização colonial que se funda a cidade fictícia de San Pablo del Desierto, uma cidade de vícios, virtudes e constante contradição. Nesse contexto, um guia turístico que vive sob condições precárias, se cansa de sua miséria e decide fazer um feitiço de desencanto para que seu negócio prospere. Desse feitiço nasce um boneco de sua garganta, tirano de si mesmo, que irá comandar a cidade e acabar por regulamentar a dança e as festas de maneira restrita, para não atrapalhar o turismo da cidade”.

Por aí notamos que desde a apresentação da narrativa há já uma pauta de assuntos indicada em imagens emblemáticas: processos de colonização, abismos históricos, a dialética entre lugar e moral e as marcas que sugerem um sistema social definido em expressões como “negócios”, “miséria”, precarização da vida. E há também referências a um feito mágico, na direção da transformação do real – a decisão por um  “feitiço do desencanto”.

Em uma aproximação provisória, a dramaturgia do diretor Caio Silviano  lembra um pouco as arquiteturas textuais selvagens e descentradas de um grande autor e encenador, não por acaso tomado como incompreensível e escanteado pela crítica, o amazonense Francisco Carlos. Em Francisco, como aqui, os temas são influenciados pelos estudos antopológicos, históricos e etnográficos. E traduzidos em uma escrita que a um só tempo  assimila e contesta as tradições da “peça de teatro”, inventando um modo singular de representação.      

Esta vocação laboratorial está muito afirmada na montagem do Pano. Junto a isso, o espetáculo, falado em português, em espanhol e em “portunhol”, tem clara convocação militante sem se confundir, porém, com um teatro político strictu sensu. A seu favor o diretor tem um elenco 100% disponível, que mostra em cena empenho extra-ordinário nas variações físicas e comportamentais da palhaçaria, em diálogo estreito com a narrativa iconoclasta. A direção musical de Marco França é, como sempre, uma garantia. O plano visual apresenta, sob uma luz espetacular, máscaras, indumentárias, figurinos e objetos que remetem aos elementos das culturas populares latinas. É uma liga bonita e virtuosa. Sem dúvida, uma tradução bem afirmada do que chamamos traballho de grupo, no melhor sentido da afinação que só a experiência coletiva pode oferecer.